Hanna Rochereau ist eine Künstlerin, deren Gemälde die Mechanismen des Gedächtnisses, der Wahrnehmung und der Bildkonstruktion erforschen. Durch Kompositionen, in denen sich Landschaftsfragmente, Architektur, Alltagsgegenstände und Motive aus der Kunstgeschichte vermischen, schafft sie vieldeutige Räume, die zugleich vertraut und schwer fassbar sind. Ihre Arbeit stützt sich auf ein umfangreiches visuelles Repertoire aus Fotografien, Archiven und persönlichen Erinnerungen, die sie nach einer assoziativen Logik, die der Montage ähnelt, neu zusammenfügt. Indem sie mit Maßstabsverschiebungen, Bildausschnitt-Effekten und zeitlichen Verschiebungen spielt, komponiert Rochereau offene Erzählungen, in denen sich Realität und Fantasie überlagern. Ihre Werke laden den Blick dazu ein, zwischen verschiedenen Interpretationsebenen zu wandern, und zeigen, wie Bilder unser Verständnis der Welt prägen.
Im Jahr 2026 unterstützte das Bureau des arts visuels ihre erste Einzelausstellung in Deutschland mit dem Titel 1rst Floor, die in der Galerie Paulina Caspari in München gezeigt wurde.
Wie würdest du dein visuelles Universum in drei Worten beschreiben?
Bewahrung, Erhaltung, Verschwinden.
Wie gehst du in deiner Arbeit mit Alltagsgegenständen und Präsentationsformen wie Schaufenstern oder Displays um, und was ermöglicht dir das, in Bezug auf unser Verhältnis zu Begehren und zum häuslichen Raum zu erforschen?
Ich gehe an Alltagsgegenstände sowie an Präsentationsformen wie Schaufenster oder Displays mit der Vorstellung heran, dass der häusliche Raum fortbesteht. Doch der Begriff „häuslicher Raum“ trifft hier nicht ganz zu: Ich denke eher an Räume der Aufbewahrung, der Vermarktung, der Ausstellung oder der Arbeit. Auch heute noch sind diese Räume von Präsentationslogiken durchzogen, die darauf ausgelegt sind, Wert zu inszenieren, den Blick zu lenken und das Begehren zu steuern. Als Ausgangspunkt interessieren mich leere Schaufenster; sie bewahren die Form des Abwesenden, bieten eine Struktur und eine Oberfläche, ohne zu verraten, was sie eigentlich enthalten sollten. Von dort aus versuche ich, etwas Poröseres in diesen Displays zum Vorschein zu bringen: Gebrauchsspuren, Risse in den Oberflächen. Ich lösche sie nicht, sondern lasse sie sichtbar, um dem Raum eine gewisse Intimität zu verleihen, als könne er sich ein wenig von seiner ursprünglichen Funktion als Ausstellungsraum lösen. Meine Arbeit stellt keine Produkte dar, sondern verweist vielmehr auf das, was sie einst enthielt: Verpackungen, Schachteln, versiegelte Umschläge. Es sind keine Symbole der Nützlichkeit, sondern Formen der Vorwegnahme. Sie haben keine direkte Bedeutung, sondern rahmen das Begehren ein.
Wie hast du diese Ausstellung in der Galerie Paulina Caspari in München konzipiert?
Ich habe mir den Film The Store von Frederick Wiseman oft angesehen, er begleitet mich immer, aber hier hat sich seine Präsenz deutlicher bemerkbar gemacht. So habe ich den Raum ausgehend von der Logik des Ladens konzipiert und dabei insbesondere über die Wege nachgedacht, die entworfen wurden, um den Besucherfluss zu lenken. Eine Bodeninstallation aus Schatten zeichnet einen Weg nach und lässt unsichtbare Möbelreihen entstehen. Sie erinnert an diese Impulskaufregale – ein Begriff aus dem Einzelhandel –, jene mit Kleinartikeln gefüllten Regale, die in der Nähe der Kassen stehen. Damit wollte ich eine Form der Befriedigung suggerieren und sie zugleich unerreichbar halten. Die Räume fesseln nicht durch Widerstand, sondern weil es nichts mehr zu bieten gibt. Indem sie nichts anbieten, lassen sie Raum für alles, was man sich dort vorstellen kann. Man bewegt sich also nicht, um etwas Bestimmtes zu finden, sondern um das, was man sich vorstellt, was die Ausstellung bieten könnte. Ich habe den Raum der Galerie Paulina Caspari als eine Art Eingang zu einem „Shop“ konzipiert. Der Rundgang endet mit einem Gemälde mit dem Titel „Data Divas“, das eher an einen Lager- oder Archivraum erinnert. Es fungiert auch als Schwelle zu einer kommenden Ausstellung: „Data Divas“, so lautet auch der Titel der Ausstellung, die während der Biennale in Venedig eröffnet wird und in der ich das Archiv als ein lebendiges und instabiles System an der Schnittstelle von Erinnerung, Arbeit und Performance behandle.
Es ist deine erste Ausstellung in Deutschland. Was bedeutet es für dich, deine Arbeiten heute in Deutschland zu zeigen?
Ja, es ist meine erste Ausstellung in Deutschland, und sie folgt auf mehrere Ausstellungen, die ich kürzlich in Frankreich und der Schweiz hatte – Orte, mit denen ich persönlich verbunden bin, da ich dort gelebt und studiert habe. Es ist mir wichtig, meine Arbeiten weiterhin auf europäischer Ebene zeigen zu können. Diese Einladung hat für mich auch eine ganz persönliche Bedeutung, da ich deutsch-französischer Herkunft bin. Nach München habe ich meine Familie in Bremen und Hamburg besucht und die Gelegenheit genutzt, die vielen Kunsthäuser, Kunsthallen und Kunstvereine zu entdecken oder wiederzuentdecken, die Deutschland zu bieten hat.